Autore: Vanni

Parliamo del punto di vista, dell’angolo di ripresa, dell’ampiezza di ripresa e dell’angolo Olandese…

Il punto di vista “è la posizione della fotocamera in relazione al soggetto”.
L’angolo di ripresa “è l’angolo in cui l’obiettivo della fotocamera è inclinato”.
Il campo di un’inquadratura “è l’ampiezza di ciò che viene ripreso”.

La modifica del punto di vista e dell’angolo della fotocamera, sono due semplici modi per controllare e variare la composizione.
Fotografare da un diverso punto di vista, fà emergere aspetti insoliti di un soggetto, quindi potendo, giriamogli intorno e guardiamolo da più punti possibili.
I soggetti sono quasi sempre tridimensionali, per valorizzarne le forme è necessario fotografarli tendenzialmente da un angolo (destra/sinistra o alto/basso) che consenta allo spettatore di vedere più di un lato/carattere del soggetto.

Punto di vista e angolo di ripresa orizzontale – Scattare a livello degli occhi (Eye Level)
Questo tipo di scatto è consigliabile per i ritratti dal mezzo busto al dettaglio.
Con la fotocamera tenuta orizzontale, gli occhi del fotografo devono essere paralleli a quelli della persona ritratta.
Attenzione che questa posizione se non studiata bene, ha poco effetto psicologico sullo spettatore e ha un basso potere drammatico.
Questo tipo di scatto è adatto a fotografare le persone in posizione ravvicinata, rubando i termini dalla cinematografia si avrà una serie di “Piani”:
> Medium Close-Up > Dove si inquadrerà il soggetto dalla testa al petto.
> Close-Up > Dove si riempirà lo scatto come la testa di una persona.
> Choker > Dove si inquadrerà il volto del soggetto da sopra le sopracciglia a sotto la bocca.
> l’Extreme Close Up > Dove si inquadrerà una piccola area o dettaglio del soggetto.
> L’Extreme Close Up (Italian Shot) > Inquadratura degli occhi, prende il nome dai film di Sergio Leone.
Quindi questo modo di fotografare considerando il punto di vista alto non sarà adatto a scattare le persone per intero, perché produrrà un effetto di schiacciamento dell’immagine, ingrandendo la testa e incassando il corpo, producendo anche un effetto psicologico che ridurrà al minimo la forza apparente e lo può far sembrare più debole e vulnerabile.

Punto di vista e angolo di ripresa dal basso verso l’alto
Questo tipo di scatto è consigliabile per immagini di persone intere.
Una bassa angolazione si ottiene quando l’angolazione della fotocamera si trova sotto il livello del punto di interesse e rivolta verso l’alto.
Questa posizione ha come caratteristica di slanciare, aggiunge enfasi e interesse, dare forza e dramma, ma anche a rendere più appariscente o minaccioso il soggetto, quindi è il modo più adatto per fare belle immagini e uscire dallo stereotipo delle fotografie ordinarie.
Più scendiamo verso la base del soggetto, più psicologicamente l’effetto sarà forte e potente.
Cosi facendo inquadrerai anche meglio il soggetto, evitando di essere distratti da sfondi confusi ed elementi che infastidiscono la visione.
Esiste anche un tipo di scatto da terra (Worm’s-eye), che ha lo scopo di dare allo spettatore il punto di vista di un bambino o di un animale.

Punto di vista e angolo di ripresa dall’alto verso il basso
Questo è uno scatto in cui la fotocamera è fisicamente più alta del soggetto e sta guardando il soggetto.
L’inquadratura dall’alto può far sembrare il soggetto piccolo, debole e vulnerabile, questo tipo di ripresa può trasmettere diversi tipi di stati d’animo e tensioni.
Punti di vista e angoli di ripresa elevati aiutano ad orientare lo spettatore, poiché mostrano le relazioni tra tutti gli elementi all’interno dell’area dell’immagine.

Gli scatti a volo d’uccello o vista aerea
La vista a volo d’uccello, tende a implicare un punto di vista più elevato rispetto al punto di ripresa alto.
Il termine vista aerea può riferirsi a qualsiasi vista da una grande altezza, come ad esempio quando si guarda lateralmente da una finestra di un aeroplano.
Uno scatto a volo di uccello si riferisce a uno scatto che guarda direttamente in basso sul soggetto.
La prospettiva è molto ridotta, facendo apparire il soggetto breve e tozzo.
Questo scatto può essere utilizzato per dare una ripresa generale di una scena, o per enfatizzare la piccolezza o l’insignificanza dei soggetti o per contestualizzare dove si trova il personaggio.

Angolo olandese
L’angolo olandese, noto anche come angolo inclinato o angolo obliquo, è un tipo di inquadratura che comporta l’inclinazione della fotocamera composta in modo che la linea dell’orizzonte non sia parallela ai bordi del fotogramma della fotocamera.
Questo produce un punto di vista simile a inclinare la testa di lato.
Un’inclinazione olandese modifica le linee orizzontali e verticali in diagonali e crea una composizione più dinamica.
L’angolo olandese è una tecnica usata spesso per ritrarre disagio psicologico, tensione nel soggetto, agitazione così da disorientare per lo spettatore.
Ha avuto origine nella prima guerra mondiale, nella scena cinematografica tedesca (movimento espressionista tedesco).
Il nome in tedesco era spesso confuso con la parola simile in olandese che da ora il nome del termine.

Il campo di un’inquadratura (ampiezza di ripresa)
Ossia il soggetto e l’ambiente che lo circonda.
Tutto dipende dalla distanza tra la macchina fotografica, il tipo di obiettivo e il soggetto inquadrato.
In cinematografia l’ampiezza del punto di ripresa viene distinto tra la percentuale del soggetto e dell’ambiente inquadrato.
Vengono nominati “Campi” quando è più presente l’ambiente, invece “Piani” quando è il soggetto a prevalere.
Per comodità trovo interessante usare questi termini anche per la fotografia.
Ecco la nomenclatura dei tipi base di inquadrature cine/fotografiche:
> Medium Shot > Un scatto da questa posizione incornicia il soggetto dalla vita in sù e mostra una parte dell’ambiente circostante.
> Cowboy Shot (American Shot) > Una variante di un Medium Shot, prende il nome dai film western che inquadrano il soggetto da metà coscia in sù (inquadratura delle pistole).
> Medium Full Shot (3/4 Shot) > Intermedio tra Medium Shot e Full Shot, mostra il soggetto dalle ginocchia in sù, dove il soggetto è ancora dominante nello scatto.
> Full Shot > Soggetto e ambiente hanno la stessa importanza (peso 50/50) nell’inquadratura.
> Extreme Long Shot (Wide Wide Shot) > Ci sono scatti lunghi estremi che sono estremamente lontani dal soggetto e potrebbero non mostrare nemmeno una persona.
Questi sono di solito fatti in un angolo alto in modo che lo spettatore possa guardare in basso su un’ambientazione o scena.
Gli scatti estremi sono usati dal punto di vista narrativo per mostrare allo spettatore l’ambientazione.
Più il soggetto è lontano dalla fotocamera, più è importante la sua relazione con l’ambiente circostante.
Scatti in cui la distanza rende illeggibili le espressioni facciali tendono a stabilire i luoghi dell’azione a venire.

 

La semplicità è la chiave per le immagini più belle.
Più semplice e diretta è un’immagine, più chiara e forte è l’affermazione risultante.
Ci sono molte cose da considerare quando discutiamo della semplicità.
Per prima cosa, seleziona un argomento che si presta a un accordo semplice; per esempio, invece di fotografare un’intera area che confonderebbe l’osservatore, inquadra alcuni elementi importanti all’interno dell’area stessa.
In secondo luogo, seleziona diversi punti di vista o angoli di ripresa.
Spostati sulla scena o sull’oggetto fotografato.
Guarda la scena attraverso il mirino della fotocamera.
Guarda il primo piano e lo sfondo.
Prova angoli alti e bassi così come i normali punti di vista a livello degli occhi.
Guarda oltre e davanti al tuo soggetto.
Assicurati che non vi sia nulla sullo sfondo che distolga l’attenzione dello spettatore dal punto principale dell’immagine.
Allo stesso modo, controlla che non ci sia nulla in primo piano per blocchi l’ingresso dell’occhio umano nella foto.
Un ultimo punto di semplicità: raccontare solo una storia.
Assicurati che ci sia materiale nell’immagine per trasmettere una singola idea.
Sebbene ogni immagine sia composta da numerose piccole parti e elementi contribuenti, nessuna dovrebbe attirare più l’attenzione dello spettatore rispetto all’oggetto primario dell’immagine.
L’oggetto principale è la ragione per cui l’immagine viene creata in primo luogo; quindi, tutti gli altri elementi dovrebbero semplicemente supportare ed enfatizzare l’oggetto principale.
Non permettere che la scena sia ingombra di elementi e linee che confondono il punto principale dell’immagine.
Seleziona un punto di vista che elimina le distrazioni in modo che il soggetto principale sia prontamente riconosciuto.
Quando numerose forme sono in competizione con il soggetto, è difficile riconoscere l’oggetto primario o determinare il motivo per cui è stata creata l’immagine.
Solo dopo aver considerato tutte queste possibilità inizia pure a scattare.

La composizione fotografica è un aspetto fondamentale nell’arte della fotografia, poiché influenza notevolmente l’aspetto e l’effetto emotivo di un’immagine. Due principi chiave che guidano una composizione efficace sono la regola dei terzi e la simmetria dinamica. Un ulteriore approccio avanzato che può essere integrato è la Spirale d’Oro, basata sulla proporzione matematica della sequenza di Fibonacci.

Regola dei Terzi:
La regola dei terzi è un principio fondamentale nella composizione fotografica che aiuta a creare immagini più equilibrate e visivamente interessanti. L’idea di base è di dividere l’immagine in nove parti uguali, tracciando due linee orizzontali e due linee verticali immaginarie, creando così quattro punti di intersezione.

Ecco come funziona la regola dei terzi:

1. Griglia dei Terzi:
   • Immagina due linee orizzontali uguali che dividono l’immagine in tre parti verticali.
   • Poi, immagina due linee verticali uguali che dividono l’immagine in tre parti orizzontali.
   • In questo modo, ottieni una griglia di nove riquadri.
2. Posizionamento del Soggetto:
   • Invece di posizionare il soggetto principale esattamente al centro dell’immagine, cerca di collocarlo lungo una delle linee orizzontali o verticali della griglia, o meglio ancora, in corrispondenza di una delle intersezioni.
   • I quattro punti di intersezione sono considerati punti di forza visiva e spesso sono ideali per posizionare il soggetto principale.
3. Bilanciamento e Dinamicità:
   • La regola dei terzi aiuta a creare un senso di equilibrio nella composizione, evitando la staticità che può derivare dal posizionare il soggetto esattamente al centro.
   • Inoltre, permette di giocare con gli elementi dell’immagine, aggiungendo dinamicità e movimento attraverso l’uso della griglia.
4. Paesaggi e Elementi Orizzontali:
   • Quando si fotografano paesaggi, molte volte si posiziona l’orizzonte lungo una delle linee orizzontali della griglia. Ad esempio, se il cielo è particolarmente interessante, il punto in cui il cielo incontra la terra potrebbe essere allineato lungo una delle linee orizzontali superiori o inferiori.
5. Consistenza nell’Utilizzo:
   • Sebbene la regola dei terzi non sia una legge fissa, può essere un utile punto di partenza per la composizione. Puoi sperimentare e adattare il tuo approccio in base al soggetto e al messaggio che vuoi trasmettere.

In breve, la regola dei terzi è uno strumento guida che può migliorare notevolmente la composizione delle tue fotografie, rendendole più bilanciate e interessanti visivamente.

Simmetria Dinamica:
La “simmetria dinamica” è un concetto di composizione fotografica che coinvolge la creazione di una sensazione di equilibrio attraverso l’uso di linee e forme dinamiche. Questo principio aggiunge un elemento di movimento e interesse visivo alle immagini. Ecco una spiegazione più dettagliata della simmetria dinamica in fotografia:

1. Linee Dinamiche:
   • Inizia immaginando o cercando linee dinamiche all’interno della scena. Queste potrebbero essere linee diagonali, curve o qualsiasi elemento che suggerisca un movimento o una direzione.
2. Diagonali e Punti di Intersezione:
   • Disegna mentalmente o individua linee diagonali che attraversano l’immagine da un angolo all’altro.
   • Successivamente, traccia una seconda linea perpendicolare alla prima, creando intersezioni. Questi punti di intersezione saranno le posizioni ideali per il centro di interesse.
3. Posizionamento del Soggetto:
   • Posiziona il soggetto principale o il punto di interesse lungo una di queste linee diagonali o, ancor meglio, in corrispondenza di una delle intersezioni. Questo aggiunge dinamicità e rende l’immagine più coinvolgente.
4. Equilibrio e Movimento:
   • La simmetria dinamica cerca di bilanciare la composizione creando una sorta di “simmetria” attraverso l’uso di linee direzionali e posizionando il soggetto principale in una posizione che contribuisca al flusso o al movimento generale dell’immagine.
5. Applicazione a Diverse Scene:
   • Questo principio può essere applicato a vari tipi di scene, sia che tu stia fotografando architetture, paesaggi o ritratti. Ad esempio, una strada che si snoda in diagonale attraverso un’immagine o un fiume curvo potrebbero essere elementi di simmetria dinamica.
6. Espressione di Energia:
   • La simmetria dinamica può esprimere un senso di energia, movimento e vitalità nella tua fotografia. Rende l’immagine più interessante e contribuisce alla narrazione visiva.

In sintesi, la simmetria dinamica in fotografia cerca di sfruttare le linee e le forme dinamiche per creare un senso di equilibrio e movimento all’interno dell’immagine. Esperimentare con questo principio può portare a composizioni più dinamiche e visivamente coinvolgenti.

Spirale d’Oro:
La Spirale d’Oro, o Spirale di Fibonacci, è un concetto matematico e estetico che può essere applicato alla composizione fotografica per creare immagini visivamente armoniose e interessanti. Questa spirale è basata sulla sequenza di Fibonacci, in cui ogni numero è la somma dei due numeri precedenti (1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, ecc.).

Ecco come applicare la Spirale d’Oro in fotografia:

1. Immagine nella Sequenza di Fibonacci:
   • Immagina una sequenza di Fibonacci sulla tua immagine. Questa sequenza può essere rappresentata da una spirale, con curve che si sviluppano secondo i numeri della sequenza.
2. Posizionamento del Soggetto o degli Elementi Chiave:
   • Colloca il tuo soggetto principale o gli elementi chiave lungo la spirale di Fibonacci. Questo può essere il punto in cui la spirale inizia o termina o in qualsiasi punto lungo il suo percorso.
3. Flusso Naturale dell’Osservatore:
   • La Spirale d’Oro è progettata per guidare l’occhio dell’osservatore in modo naturale attraverso l’immagine. Il flusso della spirale crea un percorso che porta l’attenzione a vari elementi, dando dinamismo e ordine alla composizione.
4. Applicazione a Diverse Scene:
   • La Spirale d’Oro può essere applicata a una varietà di scene, sia che tu stia fotografando paesaggi, ritratti o architetture. Ad esempio, una conchiglia, un fiore o una spirale di edifici possono seguire la Spirale d’Oro.
5. Rapporti di Proporzione:
   • Oltre alla spirale, i rapporti di proporzione derivati dalla sequenza di Fibonacci, come il rapporto aureo (1,618), possono essere utilizzati per determinare le dimensioni e le proporzioni degli elementi all’interno dell’immagine.
6. Espressione di Armonia:
   • L’applicazione della Spirale d’Oro mira a creare un senso di armonia e bilanciamento all’interno dell’immagine, contribuendo a rendere l’esperienza visiva più piacevole ed esteticamente appagante.

È importante notare che la Spirale d’Oro è una guida e un concetto estetico, non una regola rigida. La creatività e la sensibilità del fotografo sono fondamentali nell’applicare questo principio in modo efficace. Sperimentare con la Spirale d’Oro può portare a risultati sorprendenti e contribuire a una composizione più ricca e dinamica.

Sperimentare con queste tecniche, eventualmente combinandole, offre ai fotografi un’ampia gamma di opzioni creative. La chiave è trovare un equilibrio tra queste linee guida e la propria interpretazione personale, poiché la fotografia è anche un’arte soggettiva che consente una vasta espressione individuale. In definitiva, la composizione è uno strumento potente per comunicare emozioni e storie attraverso le immagini.