Categoria: Pratica

Creare un equilibrio nella composizione fotografica rende l’immagine più armoniosa.
Ogni elemento in un’immagine ha una certa quantità di valore rispetto a tutti gli altri elementi.
Ogni tono, massa, forma, albero, figura, edificio, linea o ombra contribuisce a una certa quantità di peso che deve essere sistemata correttamente nella composizione per dare l’impressione di equilibrio.
Il posizionamento del soggetto all’interno dell’area dell’immagine è un fattore che deve essere attentamente considerato.
La composizione è tenuta in equilibrio da due metodi diversi: equilibrio simmetrico o formale e equilibrio asimmetrico o informale.

Equilibrio simmetrico o formale
L’equilibrio simmetrico o formale in una fotografia si ottiene quando gli elementi su entrambi i lati dell’immagine hanno lo stesso peso.
L’idea dell’equilibrio formale può essere correlata a un movimento alternato, quando ci sono due oggetti ugualmente ponderati sull’altalena e sono equidistanti dal punto di rotazione, o fulcro, l’immagine sarà in equilibrio.
Le immagini con equilibrio formale possono sembrare statiche e poco eccitanti; tuttavia, presentano un’aria di dignità.
L’equilibrio formale non sempre significa che una foto ha l’altalena in prospettiva.
Le forze o i pesi sono simmetrici.
Quadri simmetrici, in cui entrambi presumibilmente sono approssimativamente uguali; ma i lati immaginari sono esattamente gli stessi, vengono prodotti solo quando il punto di rotazione è situato in profondità nello spazio dell’immagine.
Generalmente viene creata una variazione dell’equilibrio simmetrico con la fotografia.

Equilibrio asimmetrico o informale
L’equilibrio asimmetrico, o informale, di solito è molto più interessante dell’equilibrio simmetrico.
In equilibrio asimmetrico si presume che sia ancora presente il punto di perno centrale immaginario; tuttavia, al posto delle immagini speculari su ciascun lato dell’area dell’immagine, gli elementi del soggetto sono notevolmente diversi per dimensioni, forma, peso, tono e posizione.
L’equilibrio è stabilito equalizzando le forze dell’elemento nonostante le loro differenze.
L’equilibrio asimmetrico viene introdotto quando il peso presunto di due o più oggetti più leggeri è equalizzato da un singolo oggetto più pesante posto sull’altro lato del punto di articolazione immaginario.
L’equilibrio asimmetrico è più difficile da ottenere rispetto all’equilibrio simmetrico, a causa del problema di stabilire valori di peso relativo per elementi dissimili all’interno dell’area dell’immagine e presentare qualche forma di stabilità.

Aspetti di equilibrio
Ci sono molti altri fattori da considerare per rendere equilibrate le immagini.
Alcuni di questi sono i seguenti:
Un oggetto lontano dal centro dell’immagine sembra avere più peso di uno vicino al centro.
Gli oggetti nella parte superiore di un’immagine sembrano più pesanti di oggetti della stessa dimensione nella parte inferiore di un’immagine.
L’isolamento sembra aumentare il peso di un oggetto.
Gli oggetti molto interessanti sembrano avere più peso compositivo.
Le forme regolari sembrano avere più peso rispetto alle forme irregolari.
Gli elementi sul lato destro di un’immagine asimmetrica sembrano avere più peso rispetto agli elementi della stessa dimensione sul lato sinistro dell’immagine.
Le direzioni in cui figure, linee e forme sembrano muoversi all’interno dell’area dell’immagine sono importanti per bilanciare; per esempio, una persona può camminare in una direzione, o i suoi occhi possono guardare in una direzione, o la forma di qualche elemento crea una sensazione di movimento.
Quando la sensazione di direzione è presente all’interno di una scena, tende a sconvolgere l’equilibrio se giudicato sulla dimensione del soggetto da solo.

Comprendere i fattori necessari per creare l’equilibrio pittorico è essenziale per produrre buone immagini.
Per ottenere questa comprensione, puoi verificare continuamente l’equilibrio mentre guardi attraverso il mirino della fotocamera.
Una volta acquisita una comprensione dei principi dell’equilibrio pittorico, ottenere un equilibrio nelle fotografie diventa un processo facile.

Parliamo del punto di vista, dell’angolo di ripresa, dell’ampiezza di ripresa e dell’angolo Olandese…

Il punto di vista “è la posizione della fotocamera in relazione al soggetto”.
L’angolo di ripresa “è l’angolo in cui l’obiettivo della fotocamera è inclinato”.
Il campo di un’inquadratura “è l’ampiezza di ciò che viene ripreso”.

La modifica del punto di vista e dell’angolo della fotocamera, sono due semplici modi per controllare e variare la composizione.
Fotografare da un diverso punto di vista, fà emergere aspetti insoliti di un soggetto, quindi potendo, giriamogli intorno e guardiamolo da più punti possibili.
I soggetti sono quasi sempre tridimensionali, per valorizzarne le forme è necessario fotografarli tendenzialmente da un angolo (destra/sinistra o alto/basso) che consenta allo spettatore di vedere più di un lato/carattere del soggetto.

Punto di vista e angolo di ripresa orizzontale – Scattare a livello degli occhi (Eye Level)
Questo tipo di scatto è consigliabile per i ritratti dal mezzo busto al dettaglio.
Con la fotocamera tenuta orizzontale, gli occhi del fotografo devono essere paralleli a quelli della persona ritratta.
Attenzione che questa posizione se non studiata bene, ha poco effetto psicologico sullo spettatore e ha un basso potere drammatico.
Questo tipo di scatto è adatto a fotografare le persone in posizione ravvicinata, rubando i termini dalla cinematografia si avrà una serie di “Piani”:
> Medium Close-Up > Dove si inquadrerà il soggetto dalla testa al petto.
> Close-Up > Dove si riempirà lo scatto come la testa di una persona.
> Choker > Dove si inquadrerà il volto del soggetto da sopra le sopracciglia a sotto la bocca.
> l’Extreme Close Up > Dove si inquadrerà una piccola area o dettaglio del soggetto.
> L’Extreme Close Up (Italian Shot) > Inquadratura degli occhi, prende il nome dai film di Sergio Leone.
Quindi questo modo di fotografare considerando il punto di vista alto non sarà adatto a scattare le persone per intero, perché produrrà un effetto di schiacciamento dell’immagine, ingrandendo la testa e incassando il corpo, producendo anche un effetto psicologico che ridurrà al minimo la forza apparente e lo può far sembrare più debole e vulnerabile.

Punto di vista e angolo di ripresa dal basso verso l’alto
Questo tipo di scatto è consigliabile per immagini di persone intere.
Una bassa angolazione si ottiene quando l’angolazione della fotocamera si trova sotto il livello del punto di interesse e rivolta verso l’alto.
Questa posizione ha come caratteristica di slanciare, aggiunge enfasi e interesse, dare forza e dramma, ma anche a rendere più appariscente o minaccioso il soggetto, quindi è il modo più adatto per fare belle immagini e uscire dallo stereotipo delle fotografie ordinarie.
Più scendiamo verso la base del soggetto, più psicologicamente l’effetto sarà forte e potente.
Cosi facendo inquadrerai anche meglio il soggetto, evitando di essere distratti da sfondi confusi ed elementi che infastidiscono la visione.
Esiste anche un tipo di scatto da terra (Worm’s-eye), che ha lo scopo di dare allo spettatore il punto di vista di un bambino o di un animale.

Punto di vista e angolo di ripresa dall’alto verso il basso
Questo è uno scatto in cui la fotocamera è fisicamente più alta del soggetto e sta guardando il soggetto.
L’inquadratura dall’alto può far sembrare il soggetto piccolo, debole e vulnerabile, questo tipo di ripresa può trasmettere diversi tipi di stati d’animo e tensioni.
Punti di vista e angoli di ripresa elevati aiutano ad orientare lo spettatore, poiché mostrano le relazioni tra tutti gli elementi all’interno dell’area dell’immagine.

Gli scatti a volo d’uccello o vista aerea
La vista a volo d’uccello, tende a implicare un punto di vista più elevato rispetto al punto di ripresa alto.
Il termine vista aerea può riferirsi a qualsiasi vista da una grande altezza, come ad esempio quando si guarda lateralmente da una finestra di un aeroplano.
Uno scatto a volo di uccello si riferisce a uno scatto che guarda direttamente in basso sul soggetto.
La prospettiva è molto ridotta, facendo apparire il soggetto breve e tozzo.
Questo scatto può essere utilizzato per dare una ripresa generale di una scena, o per enfatizzare la piccolezza o l’insignificanza dei soggetti o per contestualizzare dove si trova il personaggio.

Angolo olandese
L’angolo olandese, noto anche come angolo inclinato o angolo obliquo, è un tipo di inquadratura che comporta l’inclinazione della fotocamera composta in modo che la linea dell’orizzonte non sia parallela ai bordi del fotogramma della fotocamera.
Questo produce un punto di vista simile a inclinare la testa di lato.
Un’inclinazione olandese modifica le linee orizzontali e verticali in diagonali e crea una composizione più dinamica.
L’angolo olandese è una tecnica usata spesso per ritrarre disagio psicologico, tensione nel soggetto, agitazione così da disorientare per lo spettatore.
Ha avuto origine nella prima guerra mondiale, nella scena cinematografica tedesca (movimento espressionista tedesco).
Il nome in tedesco era spesso confuso con la parola simile in olandese che da ora il nome del termine.

Il campo di un’inquadratura (ampiezza di ripresa)
Ossia il soggetto e l’ambiente che lo circonda.
Tutto dipende dalla distanza tra la macchina fotografica, il tipo di obiettivo e il soggetto inquadrato.
In cinematografia l’ampiezza del punto di ripresa viene distinto tra la percentuale del soggetto e dell’ambiente inquadrato.
Vengono nominati “Campi” quando è più presente l’ambiente, invece “Piani” quando è il soggetto a prevalere.
Per comodità trovo interessante usare questi termini anche per la fotografia.
Ecco la nomenclatura dei tipi base di inquadrature cine/fotografiche:
> Medium Shot > Un scatto da questa posizione incornicia il soggetto dalla vita in sù e mostra una parte dell’ambiente circostante.
> Cowboy Shot (American Shot) > Una variante di un Medium Shot, prende il nome dai film western che inquadrano il soggetto da metà coscia in sù (inquadratura delle pistole).
> Medium Full Shot (3/4 Shot) > Intermedio tra Medium Shot e Full Shot, mostra il soggetto dalle ginocchia in sù, dove il soggetto è ancora dominante nello scatto.
> Full Shot > Soggetto e ambiente hanno la stessa importanza (peso 50/50) nell’inquadratura.
> Extreme Long Shot (Wide Wide Shot) > Ci sono scatti lunghi estremi che sono estremamente lontani dal soggetto e potrebbero non mostrare nemmeno una persona.
Questi sono di solito fatti in un angolo alto in modo che lo spettatore possa guardare in basso su un’ambientazione o scena.
Gli scatti estremi sono usati dal punto di vista narrativo per mostrare allo spettatore l’ambientazione.
Più il soggetto è lontano dalla fotocamera, più è importante la sua relazione con l’ambiente circostante.
Scatti in cui la distanza rende illeggibili le espressioni facciali tendono a stabilire i luoghi dell’azione a venire.

 

La semplicità è la chiave per le immagini più belle.
Più semplice e diretta è un’immagine, più chiara e forte è l’affermazione risultante.
Ci sono molte cose da considerare quando discutiamo della semplicità.
Per prima cosa, seleziona un argomento che si presta a un accordo semplice; per esempio, invece di fotografare un’intera area che confonderebbe l’osservatore, inquadra alcuni elementi importanti all’interno dell’area stessa.
In secondo luogo, seleziona diversi punti di vista o angoli di ripresa.
Spostati sulla scena o sull’oggetto fotografato.
Guarda la scena attraverso il mirino della fotocamera.
Guarda il primo piano e lo sfondo.
Prova angoli alti e bassi così come i normali punti di vista a livello degli occhi.
Guarda oltre e davanti al tuo soggetto.
Assicurati che non vi sia nulla sullo sfondo che distolga l’attenzione dello spettatore dal punto principale dell’immagine.
Allo stesso modo, controlla che non ci sia nulla in primo piano per blocchi l’ingresso dell’occhio umano nella foto.
Un ultimo punto di semplicità: raccontare solo una storia.
Assicurati che ci sia materiale nell’immagine per trasmettere una singola idea.
Sebbene ogni immagine sia composta da numerose piccole parti e elementi contribuenti, nessuna dovrebbe attirare più l’attenzione dello spettatore rispetto all’oggetto primario dell’immagine.
L’oggetto principale è la ragione per cui l’immagine viene creata in primo luogo; quindi, tutti gli altri elementi dovrebbero semplicemente supportare ed enfatizzare l’oggetto principale.
Non permettere che la scena sia ingombra di elementi e linee che confondono il punto principale dell’immagine.
Seleziona un punto di vista che elimina le distrazioni in modo che il soggetto principale sia prontamente riconosciuto.
Quando numerose forme sono in competizione con il soggetto, è difficile riconoscere l’oggetto primario o determinare il motivo per cui è stata creata l’immagine.
Solo dopo aver considerato tutte queste possibilità inizia pure a scattare.

La composizione fotografica è un aspetto fondamentale nell’arte della fotografia, poiché influenza notevolmente l’aspetto e l’effetto emotivo di un’immagine. Due principi chiave che guidano una composizione efficace sono la regola dei terzi e la simmetria dinamica. Un ulteriore approccio avanzato che può essere integrato è la Spirale d’Oro, basata sulla proporzione matematica della sequenza di Fibonacci.

Regola dei Terzi:
La regola dei terzi è un principio fondamentale nella composizione fotografica che aiuta a creare immagini più equilibrate e visivamente interessanti. L’idea di base è di dividere l’immagine in nove parti uguali, tracciando due linee orizzontali e due linee verticali immaginarie, creando così quattro punti di intersezione.

Ecco come funziona la regola dei terzi:

1. Griglia dei Terzi:
   • Immagina due linee orizzontali uguali che dividono l’immagine in tre parti verticali.
   • Poi, immagina due linee verticali uguali che dividono l’immagine in tre parti orizzontali.
   • In questo modo, ottieni una griglia di nove riquadri.
2. Posizionamento del Soggetto:
   • Invece di posizionare il soggetto principale esattamente al centro dell’immagine, cerca di collocarlo lungo una delle linee orizzontali o verticali della griglia, o meglio ancora, in corrispondenza di una delle intersezioni.
   • I quattro punti di intersezione sono considerati punti di forza visiva e spesso sono ideali per posizionare il soggetto principale.
3. Bilanciamento e Dinamicità:
   • La regola dei terzi aiuta a creare un senso di equilibrio nella composizione, evitando la staticità che può derivare dal posizionare il soggetto esattamente al centro.
   • Inoltre, permette di giocare con gli elementi dell’immagine, aggiungendo dinamicità e movimento attraverso l’uso della griglia.
4. Paesaggi e Elementi Orizzontali:
   • Quando si fotografano paesaggi, molte volte si posiziona l’orizzonte lungo una delle linee orizzontali della griglia. Ad esempio, se il cielo è particolarmente interessante, il punto in cui il cielo incontra la terra potrebbe essere allineato lungo una delle linee orizzontali superiori o inferiori.
5. Consistenza nell’Utilizzo:
   • Sebbene la regola dei terzi non sia una legge fissa, può essere un utile punto di partenza per la composizione. Puoi sperimentare e adattare il tuo approccio in base al soggetto e al messaggio che vuoi trasmettere.

In breve, la regola dei terzi è uno strumento guida che può migliorare notevolmente la composizione delle tue fotografie, rendendole più bilanciate e interessanti visivamente.

Simmetria Dinamica:
La “simmetria dinamica” è un concetto di composizione fotografica che coinvolge la creazione di una sensazione di equilibrio attraverso l’uso di linee e forme dinamiche. Questo principio aggiunge un elemento di movimento e interesse visivo alle immagini. Ecco una spiegazione più dettagliata della simmetria dinamica in fotografia:

1. Linee Dinamiche:
   • Inizia immaginando o cercando linee dinamiche all’interno della scena. Queste potrebbero essere linee diagonali, curve o qualsiasi elemento che suggerisca un movimento o una direzione.
2. Diagonali e Punti di Intersezione:
   • Disegna mentalmente o individua linee diagonali che attraversano l’immagine da un angolo all’altro.
   • Successivamente, traccia una seconda linea perpendicolare alla prima, creando intersezioni. Questi punti di intersezione saranno le posizioni ideali per il centro di interesse.
3. Posizionamento del Soggetto:
   • Posiziona il soggetto principale o il punto di interesse lungo una di queste linee diagonali o, ancor meglio, in corrispondenza di una delle intersezioni. Questo aggiunge dinamicità e rende l’immagine più coinvolgente.
4. Equilibrio e Movimento:
   • La simmetria dinamica cerca di bilanciare la composizione creando una sorta di “simmetria” attraverso l’uso di linee direzionali e posizionando il soggetto principale in una posizione che contribuisca al flusso o al movimento generale dell’immagine.
5. Applicazione a Diverse Scene:
   • Questo principio può essere applicato a vari tipi di scene, sia che tu stia fotografando architetture, paesaggi o ritratti. Ad esempio, una strada che si snoda in diagonale attraverso un’immagine o un fiume curvo potrebbero essere elementi di simmetria dinamica.
6. Espressione di Energia:
   • La simmetria dinamica può esprimere un senso di energia, movimento e vitalità nella tua fotografia. Rende l’immagine più interessante e contribuisce alla narrazione visiva.

In sintesi, la simmetria dinamica in fotografia cerca di sfruttare le linee e le forme dinamiche per creare un senso di equilibrio e movimento all’interno dell’immagine. Esperimentare con questo principio può portare a composizioni più dinamiche e visivamente coinvolgenti.

Spirale d’Oro:
La Spirale d’Oro, o Spirale di Fibonacci, è un concetto matematico e estetico che può essere applicato alla composizione fotografica per creare immagini visivamente armoniose e interessanti. Questa spirale è basata sulla sequenza di Fibonacci, in cui ogni numero è la somma dei due numeri precedenti (1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, ecc.).

Ecco come applicare la Spirale d’Oro in fotografia:

1. Immagine nella Sequenza di Fibonacci:
   • Immagina una sequenza di Fibonacci sulla tua immagine. Questa sequenza può essere rappresentata da una spirale, con curve che si sviluppano secondo i numeri della sequenza.
2. Posizionamento del Soggetto o degli Elementi Chiave:
   • Colloca il tuo soggetto principale o gli elementi chiave lungo la spirale di Fibonacci. Questo può essere il punto in cui la spirale inizia o termina o in qualsiasi punto lungo il suo percorso.
3. Flusso Naturale dell’Osservatore:
   • La Spirale d’Oro è progettata per guidare l’occhio dell’osservatore in modo naturale attraverso l’immagine. Il flusso della spirale crea un percorso che porta l’attenzione a vari elementi, dando dinamismo e ordine alla composizione.
4. Applicazione a Diverse Scene:
   • La Spirale d’Oro può essere applicata a una varietà di scene, sia che tu stia fotografando paesaggi, ritratti o architetture. Ad esempio, una conchiglia, un fiore o una spirale di edifici possono seguire la Spirale d’Oro.
5. Rapporti di Proporzione:
   • Oltre alla spirale, i rapporti di proporzione derivati dalla sequenza di Fibonacci, come il rapporto aureo (1,618), possono essere utilizzati per determinare le dimensioni e le proporzioni degli elementi all’interno dell’immagine.
6. Espressione di Armonia:
   • L’applicazione della Spirale d’Oro mira a creare un senso di armonia e bilanciamento all’interno dell’immagine, contribuendo a rendere l’esperienza visiva più piacevole ed esteticamente appagante.

È importante notare che la Spirale d’Oro è una guida e un concetto estetico, non una regola rigida. La creatività e la sensibilità del fotografo sono fondamentali nell’applicare questo principio in modo efficace. Sperimentare con la Spirale d’Oro può portare a risultati sorprendenti e contribuire a una composizione più ricca e dinamica.

Sperimentare con queste tecniche, eventualmente combinandole, offre ai fotografi un’ampia gamma di opzioni creative. La chiave è trovare un equilibrio tra queste linee guida e la propria interpretazione personale, poiché la fotografia è anche un’arte soggettiva che consente una vasta espressione individuale. In definitiva, la composizione è uno strumento potente per comunicare emozioni e storie attraverso le immagini.

Chi vuole cogliere l’essenza dell’individuo non deve accontentarsi di un’immagine qualsiasi, ma deve cercare di andare oltre.
Per una buona immagine è importante riflettere sul soggetto e sul contesto in cui ci si trova.

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1 – Intro
. Come mettere in posa il soggetto.
Quando fotografi qualcuno in posa, parla e cerca sempre di scoprire il carattere di chi hai davanti, le qualità da valorizzare, la sua personalità.
Non scattare a caso ma cerca la sintonia, guida il soggetto verso pose naturali, quindi evita tutte quelle che ti sembrano forzate e innaturali.
Se lo scatto ti sembra buono, fanne diversi.
Fare in modo che almeno un’occhio sia sempre in luce.
Cerca di mascherare i difetti.
Fai tutti i tipi di inquadratura: primo piano, mezzobusto, figura intera.

. Ricognizione preliminare.
Individua il luogo in cui vuoi far posare il soggetto e stabilisci in quale punto posizionarti con la fotocamera.
Verifica la luce ambiente e predisponi l’illuminazione che vuoi usare.
Il tuo soggetto dovrà essere a suo agio e rilassato, evita di farlo aspettare troppo.
Quando sei sul posto preparati velocemente a scattare.

. Obiettivi.
Usando l’ottica sbagliata nel ritratto si rischia di alterare il viso e le proporzioni di una persona.
Le focali per i ritratti ravvicinati di volti o soggetti a mezzobusto vanno da 85 a 135mm, per i ritratti a figura intera o ambientati si può usare senza problemi anche fino al 35mm, usando un’ottica più grandangolare si avranno delle distorsioni visive.
Spesso l’occhio del soggetto è il punto ideale per la messa a fuoco; per non commettere errori usa spesso anche il controllo della profondità di campo.

. Angolazione.
Inquadra il soggetto in diverse pose: di profilo, di tre quarti, in primo piano, cerca la sua espressione migliore.
Per i ritratti a figura intera, non fotografare il soggetto stando in piedi, ma accosciati, le persone in questo modo risulteranno più slanciate.
Ogni tanto fagli visionare gli scatti, se al soggetto piacciono sei sulla strada giusta.

. La luce.
L’uso delle luci e delle ombre costruiscono il ritratto.
Un buon punto di partenza è avere delle ombre morbide sul volto del soggetto, La luce diffusa è generalmente quella più indicata.
Fai attenzione alla distribuzione uniforme della luce, alle luci troppo sparate e alle ombre troppo chiuse.
Una prima luce andrebbe posizionata leggermente di fronte sopra la testa del soggetto, se la luce proviene troppo dal basso otterrai una specie di effetto horror, la percezione della luce dall’alto è naturale per il nostro cervello.
Tra le prime cose ti consiglio di creare un riflesso di luce negli occhi del soggetto per renderlo più vivo.
Fai attenzione alle ombre riportate del naso della bocca e degli occhiali sul viso.
Cerca sempre una separazione tra il soggetto e il fondo per migliorare la sensazione di profondità.
Usare delle luci leggermente dietro/laterali al soggetto può generare interessanti riflessi sui capelli e migliorare la tridimensionalità.
Onde evitare problemi se sei in studio, prova sempre prima diversi tipi di illuminazione in modo da avere le idee più chiare e non sbagliare davanti alla persona fotografata.

Quindi, lavora attentamente sia sulle luci che sulle ombre, sulla posa, sul carattere, ricordati di non sbagliare la messa a fuoco, e sopratutto non dimenticarti di salvare in doppia coppia i tuoi scatti originali…

2 – Cosa fare
In fotografia, uno dei soggetti più belli da catturare è la forma umana.
Tuttavia, il modo in cui viene fotografato il corpo può anche rendere poco lusinghiera anche la persona più attraente.
Cosa fa apparire aggraziata una postura del corpo mentre un’altra appare poco attraente?
Creare una posa accettabile è una questione complicata.
Il modo più efficace per catturare il tuo soggetto è renderlo felice e chiedere in anticipo cosa vuole.
È anche importante identificare le aree del corpo e del viso di cui il soggetto è consapevole.
Chiedigli quale pensi sia il suo lato migliore.
Non fare centinaia di scatti; invece, mira ad alcuni di alta qualità.
Le pose di base devono essere memorizzate dal fotografo e, con l’esperienza, se ne possono trovare di nuove.
Dimostrare le pose è il modo migliore per guidare il soggetto, poiché ci sono migliaia di modi per posare il corpo.
L’illuminazione richiede anni di studio per essere padroneggiata, ancora più complesso è trovare la posa efficace.

Per garantire una buona posa, assicurati che non contenga i seguenti sei elementi:
1) il viso non sia rivolto dall’altra parte rispetto alla fonte di luce principale.
2) le spalle, la vita e i fianchi non siano allineati con la fotocamera.
3) le braccia non devono essere appoggiate al corpo.
4) il viso è in linea con la luce.
5) la colonna vertebrale non forma una linea verticale e le spalle non formano una linea orizzontale nell’inquadratura.
6) il soggetto non ha un’espressione sul viso che non vuole nel ritratto.

Se il viso viene allontanato dalla luce, l’ombra sul lato del naso aumenterà, facendolo apparire più grande.
Per risolvere questo problema, gira il viso più verso la fonte di luce principale.
Questo illumina la maschera del viso e crea ombre che lo modellano bene.
Girare la testa allunga anche il collo e riduce l’aspetto del doppio mento.
La visuale più ampia di qualsiasi persona è quando sono allineati davanti alla telecamera, quindi girare le spalle, la vita e i fianchi in una vista laterale, preferibilmente verso il lato in ombra dell’inquadratura, crea un aspetto più snello.
Quando le braccia pendono lungo i fianchi di una persona, il corpo è indefinito, creando un aspetto più ampio.
Tenendo le braccia lontane dal corpo, la vita appare più snella.
L’abbassamento del mento produce un angolo facciale più attraente.
Regola l’illuminazione ogni volta che metti in posa il tuo soggetto, iniziando alto e abbassandolo fino a raggiungere l’effetto desiderato.
Per completare l’illuminazione, aggiungi un riflettore sotto il soggetto, che rimbalza sul viso.
I riflettori negli occhi sono l’aspetto più importante di un ritratto.
Infine, avere il soggetto perfettamente verticale nell’inquadratura può farlo sembrare rigido, quindi una leggera inclinazione può aggiungere un aspetto più naturale.

3 – Definizione della posizione
Per ottenere un ritratto di successo, è importante conoscere lo scopo della foto e selezionare uno stile di posa appropriato.
Durante una singola sessione di scatto, è possibile utilizzare una varietà di stili di posa, ma è fondamentale sapere quale stile è adatto alla persona.
Esistono quattro stili di posa principali: tradizionale, casuale, giornalistico, glamour.
La posa tradizionale si concentra sull’eleganza e la potenza, con un’espressione sottile e una posizione eretta del corpo.
Le braccia non dovrebbero poggiare sui lati del corpo, ma una mano o un gomito possono appoggiarsi su una sedia o su un altro supporto.
La posa casuale, invece, è utilizzata per ritratti destinati a essere regalati alle persone care e cattura il soggetto in un momento di riposo naturale, ad esempio seduto.
La posa giornalistica non è una vera e propria posa, ma piuttosto una registrazione del soggetto mentre interagisce con l’ambiente circostante, creando una sensazione di autenticità.
La posa glamour, invece, cerca di rendere il soggetto sensuale e seducente, utilizzando un’abbigliamento e un’ambientazione coordinata e una posa attraente.
La scelta dell’abbigliamento e dell’ambiente giusto è importante per creare uno stile coerente con la posa scelta.
Il fondo della foto deve essere attentamente valutato, in quanto le linee e le trame predominanti in una scena o in uno sfondo influenzano la sensazione generale della foto.
In generale, le linee dritte comunicano forza e decisione, mentre le linee curve sono più morbide e artistiche.
Le idee di genere non si limitano necessariamente alle persone di oggi e ai loro gusti, pertanto è importante considerare attentamente il soggetto della foto e il loro stile personale.

4 – Occhi
Gli occhi sono il punto focale di ogni ritratto e devono essere posati in modo attraente e illuminati in modo accattivante.
Le luci negli occhi attirano lo spettatore del ritratto verso di essi.
Non avere riflettori negli occhi, anche all’aperto, può essere un errore.
Se gli occhi non sono adeguatamente illuminati, il ritratto non sarà buono.
Attirare lo spettatore del ritratto verso gli occhi è uno dei primi obiettivi del fotografo.
È importante controllare sempre gli occhi con ogni ritratto scattato.
La maggior parte dei fotografi non pensa realmente a posare gli occhi.
Ci sono due modi per controllare la posizione degli occhi in un ritratto.
Innanzitutto, puoi cambiare la posa degli occhi girando il viso del soggetto.
In secondo luogo, puoi fare in modo che il soggetto cambi la direzione dei suoi occhi per guardare più in alto, più in basso o su un lato.
Tipicamente, il centro dell’occhio è posizionato verso l’angolo dell’apertura dell’occhio.
Questo ingrandisce l’aspetto dell’occhio e dà più impatto.
Ciò si ottiene girando il viso verso la luce principale mentre gli occhi tornano alla fotocamera.
I ritratti con il soggetto che guarda fuori dalla fotocamera a loro volta possono avere un aspetto piacevole e pensieroso.
C’è una certa scintilla che gli occhi hanno quando guardano negli occhi di qualcun altro.
Questo vale per tutte le forme di occhi, ad eccezione delle persone con gli occhi sporgenti.
Il soggetto dovrebbe sempre guardare qualcuno, non qualcosa.
Per fare ciò, metti la tua faccia dove vuoi che siano i loro occhi.
Se gli occhi devono distogliere lo sguardo dalla fotocamera, è necessario seguire alcune regole.
Gli occhi dovrebbero seguire la stessa linea del naso.
Mentre allontani il viso dalla fotocamera, arriva un punto in cui il ponte del naso inizia a oscurare l’occhio più lontano dalla fotocamera.
A questo punto, sei andato troppo oltre.
Quando il soggetto guarda fuori dall’inquadratura, dovrebbe guardare sempre qualcuno; altrimenti, i suoi occhi potrebbero non sembrare coinvolti.
Quando gli occhi del soggetto guardano nell’obiettivo, il ritratto sembra stabilire un contatto visivo con lo spettatore.
Questo tipo di ritratto in genere è migliore dei ritratti che hanno il soggetto che guarda fuori dalla fotocamera in una posa più riflessiva.

5 – Viso e collo
La posizione del viso in un ritratto fotografico dipende dallo stile e dall’effetto che si desidera creare.
Tuttavia, ci sono alcune linee guida generali che possono aiutare a ottenere una buona composizione:
L’angolazione: è importante evitare di fotografare il viso di fronte alla fotocamera, poiché può risultare piatto e privo di profondità.
È meglio posizionare il viso leggermente di lato rispetto alla fotocamera, in modo da creare un’ombra sul lato opposto del viso e dare maggiore profondità all’immagine.
È importante tenere la testa dritta e il mento leggermente sollevato, in modo da evitare che il collo sembri troppo corto o il viso sembri troppo inclinato.
Posiziona il viso sul lato della fotocamera con la luce principale, mai al di sotto di essa e mai sul lato in ombra.
Il collo in un ritratto fotografico dovrebbe essere posizionato in modo naturale e armonioso con il resto del corpo e del viso del soggetto.
In generale, il collo dovrebbe essere allineato con la spina dorsale e leggermente inclinato verso la fotocamera per creare una linea del collo elegante e fluente.
Inoltre, dovrebbe essere prestata attenzione alla posizione della testa e del mento.
La testa dovrebbe essere leggermente inclinata e il mento dovrebbe essere leggermente sollevato per evitare pieghe indesiderate nella pelle del collo.
Infine, l’illuminazione può avere un impatto significativo sulla percezione del collo in una foto. Una buona illuminazione può evidenziare le curve e le linee del collo, creando un effetto estetico più piacevole.

6 – Spalle, braccia e mani
Le braccia e le spalle dovrebbero essere posizionate in modo da migliorare la composizione dell’immagine, soprattutto quando si scattano fotografie che includono più parti del corpo.
In questi casi, le braccia possono essere utilizzate per riempire le aree vuote nella parte inferiore dell’inquadratura, completando così una composizione triangolare.
Le spalle, in particolare, dovrebbero evitare di formare una linea orizzontale e preferibilmente inclinarsi diagonalmente per rendere il ritratto più interessante e il soggetto meno rigido.
Per evitare di evidenziare eventuali problemi delle braccia, come braccia troppo grandi, ossute o pelle flaccida, è sempre consigliabile indossare maniche lunghe.
In questo modo, è possibile nascondere le imperfezioni senza dover ricorrere a correzioni digitali, che richiedono molto tempo e sforzo.
Inoltre, durante le riprese, è importante prestare attenzione alla posizione delle braccia, cercando di posizionarle in modo naturale, ad esempio appoggiandole su qualcosa o incrociandole. Quando si caricano le braccia, il peso dovrebbe essere posizionato sull’osso del gomito, evitando di deformare le aree dell’avambraccio o del bicipite.
Per ottenere una posa efficace, è importante osservare attentamente i dettagli e dedicare del tempo ad analizzare le persone mentre si rilassano e posano in modo naturale.
A volte è consigliabile assumere qualcuno che possa aiutare durante la sessione fotografica.
In ogni caso, una buona posa è la chiave per ottenere un ritratto di successo.

7 – Busto e vita
In molti ritratti, la linea del busto e la vita non sono visibili e non devono essere presi in considerazione.
Se stai scattando un ritratto d’affari a una donna con una scollatura troppo ampia, nasconderai la linea del busto.
Al contrario, se vuoi mostrare il busto di una donna in un ritratto personale, dovrai enfatizzarlo e farlo sembrare attraente.
La posa e l’illuminazione sono importanti per valorizzare o nascondere il busto o la vita.
Se vuoi nascondere un’area ampia dello stomaco, puoi utilizzare un’illuminazione scura e posizionare il soggetto in modo che la sua pancia sia nascosta.
Inoltre, i vestiti scuri possono ridurre l’aspetto della dimensione.
Nel caso del busto di una donna, la dimensione è determinata dall’aspetto dell’ombra nel décolleté o sotto la linea del busto.
Per aumentare l’ombra nel décolleté, puoi allontanare il soggetto dalla luce principale o aggiungere una luce laterale sui seni.
Al contrario, per ridurre l’aspetto del busto, puoi eliminare le ombre nelle stesse aree.
La stessa procedura di illuminazione può essere utilizzata per valorizzare i muscoli dell’uomo.
Ruotando il corpo del soggetto verso l’ombra, creerai ombre in ogni area incassata, enfatizzando i muscoli.
La posa e l’illuminazione sono fondamentali per ottenere il risultato desiderato.

8 – Fianchi e cosce
Questa è probabilmente la parte del corpo che le donne diventano più importanti quando si fanno fotografare.
Mentre gli uomini tendono ad aumentare di peso nella zona del doppio mento e dello stomaco, le donne lo accumulano invece nelle cosce.
Evita le pose a figura intera La maggior parte dei ritratti dovrebbe concentrarsi su parti del corpo differenti e non includere fianchi e cosce.
In ogni caso, se il peso rappresenta un problema serio per il soggetto, è particolarmente importante guidarlo verso pose che non mettano in evidenza queste parti del corpo.
La prima regola è quella di non mostrare mai i fianchi di fronte alla fotocamera, ma di ruotarli invece leggermente di lato.
In questo modo, si evita l’effetto di allargamento che si ha con la visione frontale.
Nelle pose in piedi, inoltre, evita di spostare il peso sulle gambe o le cosce, ma cerca invece di creare una leggera separazione tra le gambe stesse, in modo da slanciare la figura.
È possibile ottenere questo effetto chiedendo al soggetto di posare su un gradino o un sostegno o semplicemente ruotandolo ad angolo rispetto alla fotocamera.
Con un po’ di pratica e di attenzione, è possibile creare pose snellenti ed eleganti per i fianchi e cosce che valorizzino il soggetto in modo delicato e rispettoso.

9 – Piedi
Nelle fotografie, i piedi spesso vengono trascurati o tenuti lontani dalla fotocamera, ma con alcuni accorgimenti, è possibile far sembrare le gambe e i piedi più attraenti.
Evita di mostrare la parte inferiore dei piedi, a meno che non siano puliti e curati.
Inoltre, se il soggetto è nervoso, le dita dei piedi potrebbero muoversi, quindi suggerisci loro di rilassarsi e posare le dita dei piedi su una superficie.
Per far sembrare i piedi più piccoli, il soggetto può sollevare i talloni e indossare scarpe con un tacco alto.
I tacchi alti possono anche far sembrare le gambe più snelle e toniche.
Tuttavia, le scarpe dovrebbero essere scelte in base all’abbigliamento del soggetto.
Se indossano un abito elegante, i tacchi alti sono la scelta migliore, mentre le scarpe da tennis o i piedi nudi sono più adatti per un’abbigliamento casual.
Evita di mostrare le dita dei piedi troppo lunghe o colori stravaganti dello smalto per unghie.
Se il soggetto non è a proprio agio a piedi nudi, suggerisci loro di indossare calze o collant che corrispondono all’abbigliamento.
Infine, se le gambe sembrano un po’ grasse, il soggetto può flettere i muscoli dei polpacci per farli sembrare più formosi.
Suggerisci al soggetto di indossare scarpe adatte all’abbigliamento e di posare in modo rilassato per ottenere i migliori risultati.

10 – Mettere in posa
Per creare un ritratto che soddisfi la persona fotografata, è importante mettere in posa ogni parte del corpo e quindi riunire tutto per ottenere l’aspetto e lo stile desiderati.
Si consiglia di creare ogni posa come se si stesse scattando un ritratto a figura intera, poiché questo permette di passare rapidamente da testa e spalle, a tre quarti, a figura intera con uno zoom dell’obiettivo, e fornisce anche una pratica nella progettazione di posa a figura intera.
È importante analizzare le linee predominanti in ogni posa per determinare la sensazione generale della posa e per imparare a posare efficacemente un soggetto per ottenere l’aspetto desiderato.
Le linee rette in una posa conferiscono all’immagine un aspetto lineare e più strutturato, mentre le linee curve tendono ad essere più eleganti, più morbide e sono spesso premurose femminili.
È essenziale prendere il controllo della sessione fotografica per produrre il risultato desiderato e diventare un professionista.
Infine, è possibile creare una serie di immagini utilizzando lo stesso soggetto in diversi stili di abbigliamento.

11 – Posa di più persone
La posa assume una dimensione completamente nuova quando si tratta di disporre più soggetti all’interno della stessa scena.
Tutte le stesse regole per posare un individuo si applicano ancora quando si posano più persone.

. Vicinanza e composizione
Quando si mettono in posa i soggetti in un gruppo, è importante mantenere una distanza simile tra ogni persona.
L’idea è che se una persona sembra più lontana dal gruppo, sembrerà non appartenere al gruppo.
Mettere fisicamente le persone vicine l’una all’altra crea anche un senso di vicinanza emotiva.
Per mantenere visivamente le persone a una distanza simile, guarda il viso come indicatore.
Quanto vicino dovresti mettere le persone nel gruppo? Ci sono diversi fattori da considerare.
In primo luogo, potresti scegliere un raggruppamento ravvicinato se c’è un bambino nella foto, abbassando gli adulti al livello del bambino.
I raggruppamenti più ravvicinati sono utili anche per le famiglie che vogliono creare un senso di vicinanza nel loro ritratto.
Considera lo sfondo che sopratutto in esterni è estremamente importante.
Se il tuo soggetto vuole mostrare una parte più ampia della scena, allora il raggruppamento dovrà essere distanziato per mantenere una buona composizione.
Una composizione triangolare è sempre un buon punto di partenza, è sempre meglio che non avere alcuna composizione.
Nel posare un gruppo, dovresti iniziare con le persone principali.
Questi potrebbero essere mamma e papà, nonna e nonno, un bambino, tutto dipende dal ritratto.
Una volta che il nucleo è a posto, puoi iniziare a posizionare altre persone attorno a quel punto focale.
Quando aggiungi persone, assicurati di mantenere la stessa distanza tra ogni persona.
Inizia con una disposizione triangolare in mente e poi modificala come ritieni opportuno.

. Posizionamento della testa
Ci sono alcune regole che mi sono state molto utili quando ho lavorato con più di una persona in posa.
Il primo consiglio è di non avere mai la testa di nessuno allo stesso livello della testa di un’altra persona.
Questo può essere difficile con gruppi più grandi, ma impedisce alla posa di essere troppo monotona.
Quando si fotografano due persone, la bocca del soggetto in alto dovrebbe trovarsi all’incirca allo stesso livello degli occhi del soggetto in basso.
Man mano che aggiungi più persone alla composizione, potresti dover selezionare un punto di riferimento diverso: potrebbe essere che gli occhi siano allineati con il mento, o la parte superiore della testa sia allineata con la bocca…
Tenendo presente questa linea guida ti aiuterà a collocare ogni persona all’interno del gruppo.

12 – Variazioni
Posare richiede tempo e pratica come qualsiasi altra abilità.
Per diventare bravo a posare, aiuta lavorare sotto pressione così si è costretti a imporsi rigore per dare le giuste direttive.
Spesso conviene usare un posa di base e creare delle variazioni, le variazioni sono modifiche semplici ma efficaci che puoi apportare a una posa per renderla completamente diversa.
Cambiando la posizione delle mani, delle braccia e delle gambe, puoi creare infinite variazioni.
Sono un’ottima soluzione per imparare.

13 – Posizione
Durante una sessione fotografica, ogni persona sceglie lo sfondo e le pose che preferisce, che vengono annotate su una scheda affinché il fotografo le possa seguire in futuro.
Durante ogni posa, il fotografo deve mostrare fisicamente alla persona la posa selezionata.
Anche se può sembrare imbarazzante per alcuni, questa è la migliore occasione per imparare e migliorare le proprie capacità nella posa.
Aiuta la persona a rilassarsi, dimostrare le variazioni di posa aiuta a rilassarsi e ad essere più a proprio agio durante la sessione.
Mettersi nei panni dei fotografati è fondamentale per guidarli con competenza e professionalità.
Non importa quanto possa sembrare strano mostrare le variazioni di posa, questa è una parte importante della sessione.

14 – Conclusioni
Posare le persone in modo attraente è un obiettivo comune per tutti i fotografi.
Ma diventare un buon fotografo non significa solo far sembrare belle le persone già attraenti, ma anche far apparire belle tutte le persone, indipendentemente dal loro aspetto fisico.
La capacità di vedere la bellezza in ogni individuo è fondamentale per godere di una delle professioni più affascinanti del mondo.

Ogni immagine deve avere solo un’idea principale, argomento o centro di interesse a cui gli occhi dello spettatore sono attratti.
Gli elementi subordinati all’interno dell’immagine devono supportare e focalizzare l’attenzione sulla funzione principale in modo che venga evidenziata da sola.
Un’immagine senza un centro di interesse dominante o una con più di un centro di interesse diventa sconcertante per uno spettatore e lo confonde.
Quando l’immagine ha uno, e solo un “punto di interesse” dominante, lo spettatore capisce rapidamente l’immagine.
L’argomento, l’idea o l’oggetto specifico da rappresentare deve essere impostato nella tua mente mentre ti prepari a scattare una foto.
Quando non c’è nulla nell’immagine per attirare l’attenzione su una particolare area o oggetto, gli occhi vagano per tutta la scena.
Il centro di interesse può essere un singolo oggetto o numerosi disposti in modo tale che l’attenzione sia diretta verso un’area definita.
Quando il centro di interesse è un singolo oggetto che riempie la maggior parte dell’area dell’immagine o uno che spicca audacemente, l’attenzione è attratta immediatamente da esso.
Un fotografo di solito ha a sua disposizione molti elementi che possono essere utilizzati e disposti all’interno dell’area dell’immagine per dirigere l’attenzione sull’idea primaria dell’immagine.

Alcuni di questi elementi sono linee, forme, figure umane, toni…
Le figure umane attraggono l’attenzione più di ogni altra materia e, a meno che non siano l’oggetto principale della fotografia, dovrebbero probabilmente essere tenute fuori dalla scena.
Una fotografia che mostra una persona in piedi a una certa distanza di fronte a un edificio può lasciare il dubbio su quale sia il soggetto principale.
Quando le persone sono incluse in una scena per dimensioni comparative di oggetti o semplicemente per atmosfera, impedisci loro di guardare direttamente la fotocamera.
Oppure quando guardano la fotocamera e quindi chi guarda l’immagine, lo spettatore tende a restituire il loro sguardo guardando direttamente nei loro occhi.
Quando le persone sono raggruppate attorno a un macchinario che è il centro di interesse dell’immagine, invitali a guardare la macchina, anziché la fotocamera

La composizione fotografica è la disposizione piacevole degli elementi della materia all’interno dell’area dell’immagine.
La fotografia creativa dipende principalmente dalla capacità del fotografo di vedere come la fotocamera vede perché una fotografia non riproduce una scena come la vediamo noi.
La fotocamera vede e registra solo una piccola parte, isolata della scena più grande, la riduce a sole due dimensioni, la incornicia e la congela, non discrimina come fa il nostro cervello.
Quando guardiamo una scena, vediamo selettivamente solo gli elementi importanti e più o meno ignoriamo il resto.
Una fotocamera, d’altra parte, vede tutti i dettagli all’interno del campo visivo.
Questo è il motivo per cui alcune delle nostre immagini sono spesso deludenti.
Gli sfondi possono essere ingombri di oggetti che non ricordiamo, i nostri soggetti sono più piccoli nell’inquadratura o meno sorprendenti, oppure l’intera scena può mancare di significato e di vitalità.
Le buone foto raramente vengono create per caso.
Il modo in cui disponi gli elementi di una scena all’interno di una foto, cattura l’attenzione dello spettatore, favorire l’occhio con una composizione chiara migliora la qualità della tua immagine.
Sviluppando con abilità la composizione fotografica, è possibile produrre fotografie che suggeriscono movimento, vita, profondità, forma, ricreando l’impatto della scena originale.
Per sviluppare questa abilità, bisogna studiare e praticare costantemente.
Ogni volta che scatti una foto, guarda tutto intorno al mirino.
Considera il modo in cui ogni elemento verrà registrato e come si riferisce alla composizione generale.
È necessario acquisire familiarità con la fotocamera e imparare come l’operazione di ciascun controllo altera l’immagine.
Sperimenta con la fotocamera e guarda attentamente i risultati per vedere se soddisfano le tue aspettative.
Con l’esperienza e la conoscenza della tua attrezzatura, inizi a “pensare attraverso la tua fotocamera” in modo da essere libero di concentrarti sulla composizione.
Dedica uno studio serio ai principi della buona composizione, leggi libri e articoli di riviste sulla composizione.
Analizza tutti i media disponibili e valuta costantemente in maniera critica ciò che vedi.
Una composizione buona o corretta è impossibile da definire con precisione.
Non ci sono regole rigide da seguire che assicurino una buona composizione in ogni fotografia.
Ci sono solo i principi e gli elementi che forniscono un mezzo per ottenere una composizione piacevole se applicati correttamente.

Ecco alcuni di questi principi:
Centro di interesse
Collocamento soggetto
Semplicità
Punto di vista
Equilibrio
Forme e linee
Modello
Volume
Illuminazione
Struttura
Tono
Contrasto
Framing
Primo piano
Sfondo
Prospettiva

Mentre studi questi principi compositivi, dovresti presto comprendere che alcuni sono molto simili e si sovrappongono molto l’un l’altro.
Poiché tutti o molti di questi principi devono essere considerati e applicati ogni volta che si scatta una foto, all’inizio potrebbe sembrare tutto piuttosto confuso.
Con l’esperienza svilupperai un buon senso compositivo e l’applicazione dei principi diventeranno per tè quasi una seconda natura.
Ciò non significa che puoi permetterti di diventare compiacente o negligente nell’applicazione dei principi di composizione.
Fare ciò sarà immediatamente ovvio perché i risultati che produrrai saranno istantanee, non fotografie professionali.

1 Identifica la storia da raccontare.
Ad esempio, se stai fotografando un uomo seduto su una panchina:
Vai di fantasia e immagina a cosa sta pensando!
Starà aspettando qualcuno? Sarà triste? Felice?
Pensa come inquadrare il soggetto per raccontare la sua storia.
Scegli se ritrarlo da solo, oppure indaga sui dintorni inserendoli, sperimenta angoli e ingrandimenti diversi, tutto questo molto discretamente.

2 Scegli un Focus.
È fondamentale avere un focus per la tua foto.
Il soggetto dove essere individuato senza dubbio, l’occhio deve cadere inconsciamente su di esso.
A volte un modo per indirizzarlo è usare un oggetto fisico che fa da cornice, ad esempio un arco naturale o una finestra.
Uno dei modi corretti per indirizzare il focus è: dividere la tua inquadratura in tre sezioni verticali e tre sezioni orizzontali e poi riprendere il soggetto nell’intersezione di due linee della griglia (regola dei terzi).

3 Semplificare.
Semplificare è una delle regole più importanti nella composizione di un’immagine.
Se ci sono elementi lungo i bordi dello scatto che non contribuiscono all’aspetto visivo o al soggetto diventa necessario eliminarli.
Se qualcosa infastidisce lo scatto, come una zona antiestetica, allora bisogna cambiare il punto di osservazione.
Avere un’occhio attento per la composizione inquadrando in maniera precisa permette di non fare alcuna correzione poi in post produzione.
Attenzione che la mente umana tende a ingrandire ciò che pensa sia importante e trascura ciò che sembra estraneo.
Ricorda che più ritagli in un’immagine, più la rimpicciolisci, quindi fai attenzione alla risoluzione finale.

4 L’originalità.
Ormai tutti fanno fotografie, ogni giorno, ogni istante si scattano milioni di immagini.
Siamo pieni di fotografie di ogni genere, l’unico modo per essere notati è cercare e creare qualcosa di originale, di unico, essere creativi e sperimentare continuamente.

5 Cerca forme e linee gradevoli.
Incorporare forme e linee piacevoli ti aiuterà a inquadrare meglio il soggetto e aumentare la qualità complessiva della tua foto.
Un modo potrebbe essere quello di utilizzare aspetti strutturali di edifici o altri oggetti fisici per incorporare forme e linee, ad esempio una tromba delle scale, una porta, una finestra, ecc…

6 Aggiungi una dimensione al tuo scatto.
Le persone aiutano a rendere le proporzioni e sopratutto a rendere viva un’immagine.
Scattando con qualcosa di reale e identificabile in primo piano o sullo sfondo, puoi aiutare a dare una giusta proporzione all’immagine.
Se vuoi che il tuo soggetto abbia un aspetto evidente in primo piano, allora dovresti integrare qualcosa sullo sfondo leggermente sfocandolo.

7 Avvicinati al soggetto.
A volte le foto non sembrano buone come potrebbero perché sei troppo lontano dal soggetto, se noti che i dettagli sono indecifrabili, prova a muoverti un pò più vicino, ad esempio, se hai scattato a 10 metri di distanza, avvicinati a cinque metri.
Continua a controllare i tuoi scatti e regola la distanza finché non hai catturato l’inquadratura e la quantità desiderata di dettaglio che cercavi.

8 Controlla lo sfondo.
Noi abbiamo un’innata capacità di concentrarci esclusivamente su quello che ci interessa, così, se non facciamo uno sforzo ulteriore per considerare tutti gli elementi che compongono la scena, includeremo senz’altro qualcosa che potrà rovinare il risultato finale.
Per evitare in parte il problema prova ad usare un’apertura ampia oppure usare una lunghezza focale elevata, questo ti permetterà di avere uno sfondo più sfocato.
Cambia il tuo punto di vista, punta il tuo soggetto da un punto più elevato o più in basso, prova a ruotargli attorno.
Pensare di modificare lo sfondo dell’immagine in un secondo tempo in post produzione, può risultare un lavoro lungo e complicato, con risultati a volte discutibili.

1 Familiarizza con la fotocamera.
Prenditi il tempo per conoscere la tua fotocamera e assicurati di usarla correttamente.
Leggi il manuale per imparare cosa fa ogni suo controllo, conosci le modalità di utilizzo dei menu e le varie procedure di preparazione della fotocamera.
Impara le azioni di base, ad esempio l’uso dell’autofocus, capire come funzionano le automazioni che coinvolgono pose e diaframmi, impara ad usare correttamente gli ISO a seconda della situazione.
Guarda molti libri che parlano di fotografia, cerca di capire le immagini dei grandi maestri, vai su internet, guarda tutorial e segui corsi.

2 Tieni la fotocamera correttamente.
Il modo in cui reggi la tua fotocamera potrebbe fare la differenza nella qualità dei tuoi scatti.
È importante tenerla con entrambe le mani per avere il massimo controllo su di essa.
Tenerla in modo tale da sostenere l’obiettivo con la mano sinistra e il corpo della fotocamera con la mano destra.
Tieni i gomiti vicino al corpo, appoggiati ai muri o allarga bene le gambe per piantarti con solidità sul terreno e trattieni il fiato.
Così facendo, eviterai le immagini mosse e scatterai foto più a fuoco.

3 Usa la tua fotocamera con un treppiede.
Se hai difficoltà a tenere la fotocamera stabile in certe situazioni, potrebbe essere utile utilizzare un treppiede questo accessorio manterrà la fotocamera ferma, consentendo di adattarla a diverse angolazioni.
Potresti anche usare un monopiede più facile da trasportare, oppure un minitreppiede in modo da poter posizionare facilmente la fotocamera su un piano e fotografare da angoli più bassi.

4 Imposta la risoluzione della fotocamera più alta possibile.
Controlla e modifica le impostazioni della fotocamera in modo da scattare sempre alla massima risoluzione.
Se la fotocamera permette di salvare in formato RAW, quella è sicuramente la soluzione migliore per aver la massima qualità possibile.
Tieni presente che le foto a risoluzione più alta occupano molta memoria, quindi occhio alla dimensione della scheda.
Comunque c’è sempre tempo poi per abbattere la risoluzione a seconda delle necessità.

5 Usa all’inizio le modalità automatiche della tua fotocamera.
La maggior parte delle fotocamere digitali ha una modalità semplice che cambierà le impostazioni della fotocamera in base al tipo di soggetto che si sta fotografando.
Usa le impostazioni automatiche all’inizio così non avrai problemi sull’esposizione e ti potrai concentrare sul soggetto, dopo, quando sarai più sicuro di te stesso inizia a operare un poco per volta con le funzioni manuali.